performance, documentação e memória

2012-01-06T18:19:00.000-02:00

- Performance “Visual Biography”

Concepção, performance, encenação: Christina Fornaciari

Obra inédita – Estréia em 10 de outubro de 2011.

Local: Parque Nacional de Pequim | Pequim, China

Registro em Audiovisual e fotografias: João Castilho.

2012-01-06T18:11:00.000-02:00

Confira AQUI as fotos da VI Reunião Científica da ABRACE -
Associação Brasileira de Pesquisa e Pós Graduação em Arte Cênicas,
que aconteceu em Setembro de 2011, na UFGRS em Porto Alegre / RS.

Assim que for disponibilizado, publicarei também o link de acesso aos Anais online.

2012-01-06T17:37:00.001-02:00

Participação como Prof. visitante na Disciplina Laboratório de Criação II,
na EBAP - Escola de Belas Artes da UFMG - Universidade Federal de Minas Gerais.

O convite partiu da Prof. Viviane Gandra, que fez o registro da tchurma... que manhã produtiva!

Dia 24/11/2011, EBAP / UFMG.

2012-01-06T17:29:00.001-02:00

Trabalhei como Preparadora Corporal da Companhia Lúdica dos Atores,
durante a montagem do espetáculo “Palhaços”.
Direção: Ricardo Martins.
Elenco: Leonardo Horta e João Valadares.

A peça estreou no Teatro de Bolso do SESC Palladium | BH, em 09/12/2011,
e fará nova temporada na Campanha de Popularização do Teatro.

CPD/TU Convida Christina Fornaciari: "Corpos políticos - autobiografia e direitos humanos na performance".

2011-10-17T05:11:00.001-02:00

Farei palestra sobre meu trabalho no CPD - TU
Dentro da programação de comemoração dos 59 anos do Teatro Universitário da UFMG

Dia 20/10 (quinta-feira) 17:00 h

Sala Otávio Cardoso

CPD/TU Convida Christina Fornaciari: "Corpos políticos - autobiografia e direitos humanos na performance"

Christina Fornaciari é mestre em Performance pela Queen Mary University of London, em Londres (Orientador Paul Heritage, 2005), com revalidação pela USP (Parecerista Prof. Dr. Luiz Fernando Ramos, 2009). Fez residência artística na exposição "Tropicália: A Revolution in Brazilian Culture" no Barbican Arts Centre (2004), em Londres e no Bronx Museum (2006), em Nova York. Lecionou Performance e Expressão Corporal na UFOP (2009 a 2011). Atualmente, é doutoranda em Artes Cênicas pela UFBA.

Maiores informações AQUI.

2011-08-30T20:21:00.032-03:00

"furta-céu" | performance (2011)

material: 8 cubos de anil imperial (branqueador de roupas) | 1 vestido de noiva| 13 bacias | água | 12 fotografias

ação: pulverizar anil nas bacias menores, mergulhando as fotografias no azul.
ficar de pé na bacia grande, realizar movimentos-nuvem, até que o vestido tenha absorvido algum azul.
duração: 20 minutos.

depois de bastante tempo preocupada com o ato de “partir”, me encontro em um momento onde me interessa mais a estranheza da “chegada” e a ação concreta de “permanecer”. após uma pesquisa de observação e documentação, busquei compreender como os atos de “chegar” e “permanecer” se inscrevem no corpo: a sensação de chegar a um lugar, novo ou familiar; a relação que se estabelece com o que é encontrado nessa chegada; as adaptações que acompanham o desejo de permanência; o que não fica o mesmo quando se permanece.

para abordar esse imaginário, uso um vestido de noiva antigo encontrado num brechó no centro da cidade - segundo a dona, o vestido teria quase 20 anos e já ornou diversas mulheres rumo ao "Sim". em meu corpo, esse vestido se transforma no "palco" onde se desenrola uma narrativa não linear sobre a experiência peculiar da chegada, contada pelo ponto de vista de quem chega e permanece. a permanência como repetição traz sempre uma renovação; o ato de chegar está inscrito em nossos corpos e sempre o atualizamos, uma e outra vez... a cada chegada, estamos diferentes.

ensaio de fotos do vestido: christina fornaciari + cristina gontijo
fotos da performance: cristina gontijo + martuse.com.br
produção: mariana rubino Agradecimento: Tarde Efêmera

2011-08-29T13:54:00.008-03:00

ensaio fotográfico que acompanha a performance "furta-céu"
christina fornaciari/cristina gontijo
30 x 20 cm - jet ink

2011-07-25T08:47:00.005-03:00

lançamento do livro
"Funk da Gema: de apropriação a invenção, por uma estética popular brasileira"
dia 05 de agosto | 19h | SESC Palladium | BH

Bolsa FUNARTE de Produção Crítica em Culturas Populares e Tradicionais.
Autora: Christina Fornaciari

2011-06-23T17:48:00.014-03:00

duro-macio
perpendicular res publica
museu da república - RJ

concepção e performance: christina fornaciari
realização perpendicular respublica: wagner rossi campos
duração: 4h

o trabalho consiste de recolher de sites turísticos do Rio de Janeiro relatos sobre experiências vividas no espaço público carioca. esses são divididos entre "memórias duras" e "memórias macias" e simbolizados respectivamente por amendoim na casca e mate com limão, ambos elementos presentes nesses espaços.

fotos: wagner rossi campos
agradecimento: fazenda da tia norma fornaciari

2011-05-06T11:55:00.004-03:00

minha pesquisa de doutorado foi recomendada pelo site "arte do espectador"

http://artedoespectador.blogspot.com/p/bibliografia-sobre-o-espectador.html

PESQUISA 02: Christina Fornaciari

Christina é colega de Doutorado, mineira que vive na ponte-uai-aérea, porque é pró da UFOP (eu acho essa sigla muito fofa) Universidade Federal de Ouro Preto. Ela pesquisa performance e uma de suas dimensões de interesses é a política no seu sentido mais amplo. Ela já trabalhou com Direitos Humanos e Performance em Londres e em Minhas (ah, menina drummoniana...).

Mestrado em Performance
Performing Human Rights in Prisons Orientador: Prof. Dr. Paul Heritage
Queen Mary University of London
Resumo: A pesquisa visou estabelecer relação entre projetos de teatro e performance realizados em presídios no Brasil e na Inglaterra e a implementação de discursos acerca dos direitos humanos no âmbito prisional.

Doutorado em Artes Cênicas
O Corpo em performance: lugar de potência estético-política Orientadora: Prof. Dra. Ivani Santana
Resumo: A partir da abordagem de trabalhos específicos em performance, a pesquisa visa analisar como o corpo pode ser entendido como lugar privilegiado nos fenômenos estético-politizantes.

2011-04-28T10:35:00.006-03:00

Participação no VIII SIMPOED: Simpósio de Formação e Profissão Docente - UFOP

Organizado pelo Departamento de Educação da Universidade Federal de Ouro Preto (UFOP), o VIII SIMPOED propões que os estudiosos da área de educação, profesores(as) e alunos(as) das licenciaturas discutam nos dias 12 e 13 de maio de 2011 a temática "Formação de professores, diversidade de compromisso social". O objetivo é lançar novos olhates sobre a formação docente e o universo da diversidade cultural no mundo contemporâneo, o qual impõe às políticas educacionais e a seus profissionais unovações na prática pedagógica.

Pôster em co-autoria com Carlos Alberto Ferreira, orientando de PIVIC-UFOP.
Mais informações sobre o pôster e programação completa do evento no link:

http://www.simpoed.ufop.br/index.php?option=com_content&view=article&id=36&Itemid=25

2011-04-19T21:08:00.005-03:00

Participação na PSi#17 - Utrecht - Holanda

apresentação de trabalho na Psi17, dentro da conferência "no other way to remember"
para acessar a programação inteira, acesse o link http://www.psi17.org/page/programme-5165

2011-04-19T16:26:00.007-03:00

dote | performance | 2011
inauguração do espaço cultural CASA UNA em BH

material: linha de crochê, bastidor, tule
ação: bordar nomes de mulheres, retirados da literatura.
duração: 2 hs
concepção: christina fornaciari

fotos: joão castilho

2010-11-16T07:32:00.005-02:00

Participarei como provocadora e debatedora no CORPOCIDADE 2 - debates em estética urbana.

Compreendendo o papel da arte como criadora de novas formas de partilha do sensível, o projeto Corpocidade: debates em estética urbana 2, pretende politizar as discussões iniciadas na primeira edição do evento, em 2008, acrescentando a elas uma instância de ação, para discutir e testar articulações possíveis entre CORPO e CIDADE, como estratégia de redesenho das suas condições participativas no processo de formulação da vida pública.

O evento ocorre no Rio de Janeiro, dia 22.11, às 19h no Colégio de Altos Estudos da UFRJ, e em Salvador, nos dias 29.11 e 30.11, também às 19h, na Faculdade de Arquitetura da UFBA.

Baixe o caderno de provocações e a programação completa, acessando a plataforma CORPOCIDADE.

2010-11-15T10:21:00.008-02:00

Publicação na ABRACE - Associação Brasileira de Pesquisa e Pós-Graduação em Artes Cênicas

Fazer o novo, fazer de novo? Marina Abramović e a performance para além do documento

Christina Gontijo Fornaciari

Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas - UFBA

Doutoranda - Corpo e(m) Performance – Or. Profa. Dra. Ivani Santana

Bolsa CAPES

Professora do Departamento de Artes Cênicas - UFOP

Num tempo em que apropriação e assimilação são amplamente utilizadas em processos de criação artística, e onde a desmaterialização da arte é confrontada (e forçada a se compatibilizar) com sua mercantilização, esse artigo pretende olhar para a delicada questão da performance e sua reprodutibilidade. Serão abordadas as (im)possibilidades de preservação ou recuperação da vida da performance, tendo por mote trabalhos realizados entre 1992 e 2010 pela artista iugoslava Marina Abramović, considerando termos como reencenação, teatralização e reperformance. Assim, levantaremos algumas das controvérsias que emergem desse contexto, tendo em vista as repercussões da pretensa “imortalização/ressuscitação” da performance no mundo artístico contemporâneo, na academia e na crítica, passando pelas engrenagens mercadológicas na/da arte.

Palavras-chave:

Marina Abramović - reencenação - documentação - apropriação - autoria

Para acessar o texto em inteiro teor, visite o Portal ABRACE ou baixe o ARQUIVO EM PDF.

2010-11-04T14:36:00.005-02:00

II Colóquio Internacional Usos e Práticas do Corpo na Modernidade

USP - 27 a 30 de outubro de 2010

Resumo do trabalho que apresentei no evento - texto na íntegra a ser publicado em breve.

Christina Gontijo Fornaciari

Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas - UFBA

Doutoranda - Corpo e(m) Performance – Or. Profa. Dra. Ivani Santana

Bolsa CAPES

Professora do Departamento de Artes Cênicas - UFOP

O corpo: lugar de potência, convergência e resistência.

A presente comunicacão pretende propor reflexões acerca do corpo enquanto lugar de expressão e experiência estético-política na arte contemporânea. Observaremos o corpo como elemento mediador de vivências artísticas de caráter participativo, colaborativo e multidisciplinar, analisando o trabalho dos artistas Hélio Oiticica e Rirkrit Tiravanija, que criam uma arte que é essencialmente fundamentada na centralidade dos corpos - do artista e/ou do espectador. Rompendo com a passividade da fruição artística e com o culto ao objeto, e visando uma maior comunicação e participação na sociedade em geral, o presente artigo analisará em que aspectos o corpo pode ser entendido como lugar privilegiado nos fenômenos estético-politizantes.

mais info no site do colóquio.

2010-10-16T10:45:00.006-03:00

em homenagem ao dia das crianças...
Oficina de Teatro do Oprimido
Ocupação Dandara - BH, 2010

agradecimento: coletivo KazaVazia

2010-10-07T14:54:00.015-03:00

ninharia

performance-instalação - 2010

projeto "intromissões poéticas - razão de dois"

Centro Cultural Nelson Bordello, BH/MG

em visita o local do evento na véspera de seu acontecimento, a artista intervém anônima e desavisadamente nesse espaço. ao mesmo tempo explicíta e oculta, a instalação no espaço incorpora temporalidades e visa gerar lastro de memória.

"...em seus mil alvéolos, o espaço retém o tempo comprimido. O espaço é tudo, pois o tempo já não anima a memória. A memória - coisa estranha! - não registra a duração concreta, no sentido bergsoniano.(...) É pelo espaço, no espaço, que encontramos os belos fósseis de duração, concretizados por longas permanências."

Gaston Bachelard

*fotos: maria cristina gontijo*

2010-10-07T14:27:00.008-03:00

metamemória

performance - instalação - 2010

MOLA - Mostra OSSO Latino Americana de Performances Urbanas

Salvador - BA (e outros locais via telepresença)

em metamemória, a artista realiza um deslocamento de afetos,

ao levar as memórias [duro-macio] do ed. maletta (BH/MG) para o pelourinho (SALVADOR/BA),

provocando e (re)velando a memória da memória.

agradecimento: Coletivo OSSO

*fotos: christina fornaciari*

2010-09-20T11:07:00.007-03:00

DURO-MACIO [MALETTA]

PERPENDICULAR # CENARIOAMBIENTE

Christina Fornaciari – 2010

Em duro-macio, a artista realiza diversas visitas ao Edifício Arcanjo Maletta, onde conversa com frequentadores dos bares, sebos e barbearias do prédio, e recolhe deles duas memórias: uma dura e uma macia.

Ao final desse "trabalho de campo", essas lembranças de coisas acontecidas no Maletta ganham materialidade através dos elementos torresmo (memória dura) e cachaça (memória macia), que são degustados pelo público/participante.

Conceitualmente, a artista resgata a história do Edifício Maletta a partir da memória pessoal de seus frequentadores, promovendo a inte(g)ração entre corpo e espaço, cidade e indivíduo, pessoal e público, através da digestão dessas "memórias" pelos visitantes da obra.

* fotos: christina fornaciari

imagens de DURO-MACIO [maletta]

PERPENDICULAR # CENARIOAMBIENTE

2010-09-09T08:44:00.007-03:00

2010-08-28T20:02:00.007-03:00

oficina de Christina Fornaciari no Galpão Cine Horto - dia 09 de setembro

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AULAS ABERTAS DO CURSO "HISTÓRIA E TEORIA DO TEATRO - DRAMATURGIAS DO CORPO PERFORMÁTICO"

"História e Teoria do Teatro - Dramaturgias do Corpo Performático" inicia suas atividades nesta quinta-feira, 19 de agosto, e oferece ao público um ciclo de aulas abertas com importantes nomes da cena teatral mineira.

09 setembro
OFICINA: O CORPO PRESENTE - UMA INTRODUÇÃO
com Christina Fornaciari
Christina Fornaciari é performer e professora de Expressão Corporal e Performance no Curso de Artes Cênicas da UFOP - Universidade Federal de Ouro Preto. Realizou trabalhos no Brasil e no exterior, coletiva e individualmente. No momento, cursa Doutorado pelo Programa de Pós-graduação em Artes Cênicas da UFBA - Universidade Federal da Bahia.

2010-07-21T11:03:00.012-03:00

MOSTRA MARINA ABRAMOVIC: ASSIMILAÇÕES E RESSONÂNCIAS

24 de julho, 23hs, Praça Tiradentes, Ouro Preto

Coordenação: Christina Fornaciari
Performers: Adriana Silva
Bárbara Henriques
Hideo Kushiyama
Ricelli Piva
Weber Cooper

A "Mostra Marina Abramovic: Assimilações e Ressonâncias" tem por objetivo propiciar ao público da Virada Cultural experiências e conhecimento com a arte da Performance. Surgida no início dos anos 60, essa linguagem artística caracteriza-se por sua efemeridade (a performance nunca pode ser repetida de forma idêntica), sua hibridez (capacidade de unir música, artes plásticas, vídeo, fotografia, literatura, etc) e sua busca por ocupar espaços não convencionais (das ruas às galerias de arte, da internet aos apartamentos), tendo o corpo do artista como principal veículo de expressão. Através da participação ativa dos espectadores, a performance busca atingir a percepção de quem a presencia, acessada através dos cinco sentidos e da interpretação - única e individual - que cada um trará às imagens-ações apresentadas. Dessa forma, a Performance depende do olhar do espectador para se efetivar.

A yugoslava Marina Abramovic é uma das principais artistas da Performance na atualidade. Com mais de 40 anos de carreira, Abramovic é responsável por uma inovação na linguagem performática contemporânea, que se vale da re-criação de performances originárias dos anos 60 a 90 por jovens artistas, como estratégia de conservação da obra performática após a morte do artista que a criou. Alinhada com esse pensamento, a "Mostra Marina Abramovic: Assimilações e Ressonâncias" traz 4 dos principais trabalhos de Marina Abramovic, (re)apresentados por performers jovens, especialmente para o público da Virada Cultural.

Em (re) ARTIST MUST BE BEAUTIFUL, performado por Adriana Silva, a artista utiliza duas escovas de cabelo para pentear-se freneticamente, manifestando sua indignação diante de um contexto social que exige que a arte – e o artista – estejam submetidos a julgamentos estéticos comprometidos com padrões de beleza ditados por uma sociedade de consumo.

Em (re) THE ONION, performado por Bárbara Henriques, o ato de comer uma cebola com casca fitando o céu, ao som de reclamações diárias, revela o lado sem glamour da profissão do performer, incorporando a falta de conforto, as constantes viagens e falta de tempo a que o artista se submete.

Em (re) RHYTHM 5, performado por Ricelli Piva, o artista deita-se no centro de uma estrela em chamas, onde queima suas unhas e cabelos, criando um ritual de limpeza e purificação de seu espírito. A estrela, símbolo presente em diversas religiões, representa um desejo de transcendência. A fumaça expelida pelo fogo leva para o alto o produto do ritual mas dificulta a respiração do artista, que ao mesmo tempo que se purifica, testa os limites do corpo.

Em (re) BALKAN BARROQUE, performado por Weber Cooper, uma grande quantidade de ossos é lavada ao som de músicas folclóricas da antiga Yugoslávia. Através da ação de lavar os ossos, o performer relembra e, ao mesmo tempo, cria um ritual de esquecimento e uma homenagem aos inocentes mortos nas guerras ocorridas na região Balkan, terra natal de Abramovic.

Em (re)THE CONDITIONING, performado por Hideo Kushiyama, Abramovic se apropria da performance de Gina Pane e a inclui em "Seven Easy Pieces". Com o corpo disposto em uma espécie de cama de metal montada sobre velas acesas, o trabalho promove o condicionamento do corpo, através do repouso e da resistência física, possibilitando a vivência e experiência da dor sem uso de violência.

2010-07-19T15:16:00.008-03:00

imagens performafunk em ouro preto
por césar trópia

2010-07-12T12:53:00.003-03:00

PERFORMANCE ART: ASSIMILAÇÕES E RESSONÂNCIAS

OFICINA E MOSTRA - VIRADA CULTURAL OURO PRETO E MARIANA
MINISTRADA PELA PROF. CHRISTINA FORNACIARI

Local e data das Oficinas:

Semana I: Oficinas dias 14, 15 e 16

Semana II: Oficinas dias 21, 22 e 23
De 9h:00 às 12h:00 e de 14h:00 às 17h:00
Sala 63, Escola de Minas, Ouro Preto

Local e data das Mostras:
Virada Cultural Mariana - 17 de julho, 22h:00 - Praça Gomes Freire
Virada Cultural Ouro Preto - 24 de julho, 22h:00 - Praça Tiradentes

2010-06-02T09:43:00.008-03:00

PERFORMAFUNK se apresenta no Festival de Inverno de Ouro Preto e Mariana

O trabalho essencialmente urbano, contemplado pelo Prêmio Funarte Artes Cênicas da Rua 2009,
agora invade um cenário bem diverso da caótica Belo Horizonte...

as cidades barrocas de Mariana e Ouro Preto!

As apresentações estão agendadas para o mês de Julho de 2010.

Dia 09, sexta-feira, Performafunk toma a praça principal de Mariana.
Dia 10, sábado, Performafunk sobe a ladeira da rua direita, em Ouro Preto... confira!

2010-04-27T11:46:00.007-03:00

LETRA LÍQUIDA reflete sobre a literatura fantástica de Lewis Carroll
e explora a recepção da obra literária em geral.

A partir de um alfabeto confeccionado em gelatina, a performer brinca com a materialidade das palavras e explicita a ação da leitura enquanto produção de novas impressões sobre a escrita, gerando ressonâncias que se expandem no território da arte e fora dele.

Concepção e idealização: Christina Fornaciari
Produção: Letícia Guimarães
Formas de letras: acervo da artista plástica Sylvia Amélia
Fotografia: João Castilho

2010-04-27T11:39:00.006-03:00

um convite a performar em um Shopping Center...
um encontro com um novo público...
um autor e uma obra clássica revisitada no cinema...
uma revisita da obra clássica revisitada...

CARROLL´S DAY!

2010-03-31T10:24:00.016-03:00

Veia :: corpo que desenha

concepção e performance: christina fornaciari
fotos: joão castilho
II manifestação internacional de performance - MIP2
BH, 2009

Veia

concepção e performance: christina fornaciari

fotos: joão castilho

II manifestação internacional de performance - MIP2

BH, 2009

mais arte que interesse à plateia local

2010-03-24T15:54:00.000-03:00

A gênese da arte de dançar, em Palmas
Helena Katz

Palmas, capital do Estado de Tocantins, fundada em 20 de maio de 1989, foi planejada por uma dupla de arquitetos (Luiz Fernando Cruvinel Teixeira e Walfredo Antunes de Oliveira Filho) à feição de Brasília, com ruas que se continuam, se cruzam e se ligam por rotatórias. No ano passado, de uma só vez, três hipermercados inauguraram filiais lá, sinalizando confiança na sua expansão.

Foi apostando nisso que os bailarinos João Vicente e Carolina Galgane mudaram-se para Palmas em março de 2009. Prestaram concurso na Secretaria Municipal da Educação e passaram a trabalhar no Projeto Salas Integradas. Encontraram Brenno Jadvas e Eliene Rodrigues, mais ligados ao teatro, que, como eles, também haviam acabado de se mudar para Palmas. Das conversas entre os quatro começou a se delinear o que acabou se transformando no primeiro espetáculo deles: na palma dos olhos.

Conversa vai, conversa vem, perceberam que as impressões de ambos davam um roteiro de espetáculo. Decidiram escrever dois projetos, um para a Prêmio Klauss Vianna (dança) e outro para o Prêmio Miriam Muniz (teatro), ambos da Funarte. Mal acreditaram quando saiu o resultado: foram contemplados nos dois.

O primeiro a estrear, este mês, em Palmas, com os quatro em cena, foi o de dança, na palma dos olhos, primeira experiência de João como coreógrafo e diretor. João Vicente começou em dança com Roosevelt Pimenta, em Natal, onde nasceu. Dançou na cia. de Diana Fontes e, de lá, seguiu para Salvador, para o Balé Teatro Castro Alves (1997/1998). Entrou na Quasar (1999/2001), na qual colaborou na criação de Coreografia para Ouvir.

Cerca de dois anos depois conseguiu dançar com o Grupo Corpo (2004/2008), e lá acompanhou a produção de Onkotô, Breu e Ímã (que não chegou a estrear). Carolina vem de Belo Horizonte, onde se formou no curso profissionalizante do Palácio das Artes (Cefar). Tornou-se estagiária da companhia oficial, participou da montagem de Coreografia de Cordel e, em 2004, entrou para a companhia de Mário Nascimento. De lá, seguiu para outra, o Primeiro Ato, com quem dançou Mundo Perfumado.

Contato. Pois bem. Como se começa um trabalho de dança num lugar como Palmas, onde o contato com a dança profissional é rarefeito, praticamente restringindo-se à programação do Palco Giratório, um circuito que o Sesc realiza pelo País? Há muitas dificuldades a enfrentar, desde as roupas que não são encontradas para o figurino, o linóleo que demora a chegar, o preço absurdo das passagens aéreas que permitem/impedem uma circulação, até a necessidade de atrair interessados em fazer da dança um campo profissional, ainda inexistente: figurinistas, cenógrafos, iluminadores, divulgadores, produtores, videoartistas, músicos, etc.

Começar esse tipo de percurso é difícil e não diz respeito ao que acontece só em Palmas, mas, sim, à maioria das cidades brasileiras. Vem justamente daí a relevância do que João Vicente e Carolina Galgane estão realizando. Escolheram fazer das primeiras impressões sobre a cidade o assunto de seu espetáculo. Falam dos endereços duplos (um novo, outro velho) que surpreendem quem chega; dos tons magenta do pôr-do-sol (no figurino, que contou com a assessoria de Norma Brugger, e também na iluminação, de Lúcia Miranda); da presença ostensiva da religiosidade ("da minha casa até o espaço onde ensaiamos, conto 18 igrejas", comenta João); do traçado urbano só de retas e rotatórias, com o vídeo de Caio Brottas; da música que se ouve pela cidade (Banda Calypso, melody, créu...)

A obra tem comunicação imediata com quem reconhece as citações. Cada cena se organiza em torno de referências explícitas, deixando clara a preocupação em conseguir fazer uma dança que interesse à plateia local. O resultado, lido em relação ao contexto que o produz, aponta para uma questão maior: qual é a estratégia para construir um percurso profissional para a dança onde ele ainda não existe e as condições são adversas?

Os artistas envolvidos na criação de na palma dos olhos produziram a primeira resposta, cuidando bem do acabamento - tentativa de já firmar um patamar de qualidade para o seu produto que, evidentemente, ainda carrega as fragilidades típicas de qualquer início de percurso. A estrutura dramatúrgica ainda pede atenção, enquanto a movimentação empregada sugere um caminho mais amadurecido.

Mas o mais importante nessa obra é a sua existência, por representar o que representa: a possibilidade da dança proliferar na diversidade e vir a se transformar em uma manifestação cultural fortemente apoiada pelas populações com as quais convive.

Artigo publicado no Estadão, 24/03.
http://www.estadao.com.br/estadaodehoje/20100324/not_imp528294,0.php

em entrevista...

2010-03-14T21:12:00.001-03:00

Entrevista concedida à jornalista Mariana Lage, após as PERFORMAFUNKs em BH:

-- me explique um pouco a situação de pixações.

Bem, o local onde escolhemos fazer as performafunk é uma área de expressão urbana fortíssima. Em todas as paredes do lugar há trabalhos de graffitti, de diversos artistas e traços variados. Foi por isso (em parte) que decidi trabalhar com o spray. Pensei antes de tudo, em utilizar um spray branco para "limpar" umas pixações que apareciam em uma parede branca, onde, a princípio, ocorreriam as projeções. Veja como essa pergunta vai se conectar à seguinte.

No primeiro dia que visitei o local, o muro em frente à casa do conde estava branco, totalmente branco, e na hora pensei nas projeções ali. Porém, no dia seguinte, quando voltei com o grupo, o local tinha sido pixado. Então, surgiu uma ação física dessa situação, que seria pintar o muro de branco simultaneamente à projeçao. Para pintar, eu usaria primero um spray branco por cima dos escritos, e depois um rolo. E meio que todos poderiam eventualmente se alternar nessa posição de pintor..

Só que trabalhar com a cidade é imprevisível... dois dias depois, o muro estava todo pintadinho, de laranja, e sem as pixações. Então, eu quis manter o spray, e escolhi com o Eduardo (integrante do grupo que é artista visual e tem um trabalho com grafiti), uns stencils com imagens de coisas que voam, que transportam pelo ar - balão, helicóptero, avião - e um cachorro (que dialogaria com a "cachorra" Marcelle e me serviria como um meio de demarcar o território, alheio e ao mesmo tempo nosso, que estávamos invadindo).

Vesti a asa de anjo para compor essa passagem para além do plano concreto do urbano: como se o grafitti fosse um modo de fazer a cidade transcender seus muros, e se extender pelas possibilidades infinitas que os artistas do spray imprimem nessas paredes urbanas. Tudo isso me serviu conceitualmente de estímulo para buscar me exprimir na performance através do spray, buscando me comunicar através dessa linguagem urbana que faz dos muros mais um começo que um fim.

Daí, dessa idéia do muro como começo, surgiu também a vontade de ME imprimir na/de cidade. Daí, busquei dependurar roupas minhas na parede e grafitar uma parte do desenho sobre a roupa, e outra parte do desenho no muro. Ao ser retirada, a roupa deixa um "buraco" no desenho, ou seja, eu fico na parede através da ausência que foi gerada no desenho. Foi uma forma qe encontrei de deixar pedaços do meu corpo na cidade, e vice-versa. Quando os moradores de rua me viram ali pixando, se empolgaram e vieram também brincar, pois aquilo para eles era tido como um ato crimnoso... mas eu afirmava a eles que não, aquilo não era crime, era arte. Por isso, no final, acho que me transformei no anjo dos caídos, legitimando seus "pecados".

-- sobre os vídeos, no primeiro dia (pelo que eu acompanhei) as imagens exibidas acabam conflitam com o excesso de imagens do local. vc acredita que o video poderia aparecer como mais um elemento de overdose das imagens no hipercentro?

O que aconteceu com o vídeo foi que nossa "tela" sumiu, como te expliquei acima. Então, diante disso, as imagens sim, ficaram sobrepostas ao caos que já exisitia ali, nesse sentido concordo que possa ter criado essa overdose, que eu acho bastante produtiva em um trabalho que busca retratar o urbano e seus excessos, como é o próprio funk.

Mas, acima de tudo, acredito que o vídeo era um elemento que fazia um recorte da performancee. Como haviam muitas coisas acontecendo ao mesmo tempo, o vídeo funcionava como um olhar mais refinado, que buscava essa sobreposição, essa simultaneidade, mas de uma forma mais calculada.

Por sentir que faltava um corpo a esse vídeo - tanto um corpo onde ser projetado (nossa tela tinha sumido) e no primeiro dia as imagens forma projetadas basicamente no teto do ponto de ônibus, mas quanto um corpo mesmo, de performer, já que o Gustavo (artista do vídeo) sempre só projetava e nunca era projetado, corporalmente falando - eu resolvi, no segundo dia, criar uma vestimenta-tela. Essa veste-tela ao mesmo tempo podia receber as imagens do projetor, mas também me servir como a parede branca do início, pronta para ser pixada. Também dava uma forma mais desumanizada ao meu corpo, compondo um corpo sem órgãos e me permitindo realizar os movimentos de funk sem o risco de mimetizar.

-- como você viu o diálogo entre os diferentes performers?

Desde o início, quando chamei os performers, a orientação que passei era a de que a interação deles entre si - e até mesmo com o público como outro performer - era secundária. A liberdade deles foi ampla ao ponto de não prever qualquer tipo de relação, a não ser a relação com os termos do funk que eu havia lhes passado. E, apesar disso, houve interação o tempo todo! A Marcelle funcionava - e dependia - da performatividade do público, que a levava para pasear em sua coleira. O Eduardo viu suas instalações de borracha totalmente apropriadas pelos moradores de rua. A Paula estava no ponto de ônibus e o tempo todo interagindo, a câmera também interagia e buscava nos performers/público sua alimentação... da mesma forma eu interagi com os meninos de rua e os sprays, criando relações. Isso fica muito claro nos vídeos. Acho que isso é natural do trabalho de rua.

Uma coisa, no entanto, me incomodou. No segundo dia, quando eu estava realizando os movimentos de funk utilizando a veste-tela, sempre vinham uns moradores de rua e me "enrabavam"... dançavam engatados, como se estivessem em um baile funk. Aquilo me tirou do plano da metáfora, do corpo sem órgões, e me mostrou o quanto era difícil para eles desligar aqueles movimentos do funk, levar para outro lugar. Mesmo sem ver meu corpo, já que eu estava com a veste-tela, o que ficou para eles foi o movimento, a coreografia do funk é muito potente. Já está de tal forma enraizada que não teve como escapar de uma certa mimetização, não vindo de mim, mas vindo da leitura que eles fizeram. Nessa hora eu fiquei frustrada...

--- no seu blog você disse que retornaria ao viaduto para recolher memórias da performance, como tem sido essa coleta? tem algo que voce poderia já expor?

Na verdade, a primeira entrevista aconteceu por acaso, pois a secretária do meu sogro foi uma das transeuntes que passou no local e viu a perfomafunk. Dias depois, ela veio me pergunta se era eu mesma, e me passou seu relato. Por enquanto é a única entrevista realizada, mas pretendo ir ao localnos finais de semana coletar mais memórias.

-- achei muito interessante a postura radicalizada da marcelle de assumir literalmente a figura da cachorra. uma radicalização que nem as meninas dos bailes funk teriam coragem de assumir. um passo além da descontrução corporal e moral anteriormente realizada por quem vive o funk... achei corajoso

Acho que o que trouxe a potência ao trabalho da Marcelle foi que ela se inspirou nos escritos do Deleuze e Guattari sobre o corpo sem órgãos de maneira bem explícita, mas quem não conhece o texto não faz essa leitura, e fica com a cachorra... No texto, os autores afirmam que uma forma eficaz de buscar o CSO é o sadomsoquismo... E, de fato, a coleira, o colar elizabetano, tudo isso ela já usava em outras performances dela, anteriores, sem buscar ser a cachorra dos bailes.

Mas ela trouxe esse universo que casou com o tema do funk. Realmente, foi muito corajoso da parte dela ter essa postura frágil e ao mesmo tempo de enfrentamento. Como assusta ver alguém se expondo! Isso gera um cuidado, um respeito, por incrível que pareça. Ela era a mais vulnerável, e talvez por isso, o público tenha tomado muito cuidado com ela, no sentido de protegê-la dos moradores de rua que já estavam bem bêbados, no final da performance, e já tinham tocado a bunda dela, dado tapas nela, etc... no final, criou-se un consenso de que a coleira só seria passada para público "sóbrio".

Isso não aconteceu comigo, por exemplo. Quando eu estava rebolando com a veste-tela, e os moradores de rua bêbados vinham me "engatar" e passar a mão, não houve essa preocupação em me proteger, pois eu não me mostrava vulnerável: estava de pé, com os olhos à vista, tendo domínio sobre o meu corpo (aliás, essa é uma constatação que fiz entre o público feminino frequentador dos bailes: ao contrário do que pareça, o funk trouxe uma emancipação a essas mulheres, não uma vitmação, como muitos imaginam). Foi bastante exigente para mim enquanto performer estar naquela posição, eu acho que foi uma atitude muito corajosa, também, nesse sentido, de me deixar ser tocada, soprada, falada no ouvido... isso tudo me deixou forte para a interação com o público, e mais uma vez com a certeza de que quem dá as regras, é o público. Não há como prever as reações...

Imagem: João Castilho
entrevista concedida a Marina Lage

ao acaso

2010-03-03T16:01:00.000-03:00

Hoje conheci uma pessoa que me parou para perguntar se era eu mesma que estava "vestida de anjo" debaixo do viaduto Sta. Tereza na semana passada...

Simone é uma pedestre que diante da greve de ônibus naquela semana, caminhava rumo à estação de metrô quando viu PERFORMAFUNK. Segundo me explica, suas reações foram de estranhamento:

"... pois ali naquela região tem sempre muitos bêbados caídos, mas o que vi parecia um parque de diversões! todos eles que vivem ali são tidos por bandidos... a gente passa e faz cara feia, chega a dar medo, dá dó também... mas naquele dia estavam se divertindo com as borrachas de pneus, fazendo brincadeiras e sendo vistos como gente! não como indigentes!"

Interessantíssimo esse presente do acaso... encontrar Simone, minha testemunha ocular, inspirou outra ação!

Começo, a partir de hoje, a recolher entrevistas com pessoas que estiveram no local das PERFORMAFUNKs, partindo por retornar ao viaduto... quero conversar com cada um dos moradores de rua que habitam ali, depois com os comerciantes, guarda-carros, quem sabe com o pastor da igreja local, etc...

Espero poder completar e aprofundar nas memórias do projeto, perceber os rastros da performance no local, seus ecos e ressonâncias...

Imagem: João Castilho

2010-02-28T23:28:00.001-03:00

mais performafunk em:
http://performafunk.blogspot.com/

Performafunk :: reflexões precipitadas

2010-02-24T09:13:00.000-03:00

Funk, quem diria...

Sem violência e em clima de liberdade consciente, as PERFORMAFUNKS se desenvolveram em total harmonia com a cidade, provando que é possível partir de um universo cultural ligado - e tantas vezes financiado - pela criminalidade, para criar um evento que elogia o respeito, a integração e a comunicação.

Transeuntes e interessados em arte, os que fazem das ruas suas casas e outros que se encontravam no local se apropriaram do espaço, invadindo um lugar na fronteira entre o fictício e o real, o cotidiano e o inusitado.

PERFORMAFUNK saboreou a conquista de um espaço público (des)institucionalizado. Donos da rua, naquele momento os presentes entraram num consenso mudo de pertencimento.

Composição de arte na cidade. COMPOR: como a palavra já diz, compor é colocar com, é juntar, é unir uma coisa à outra. E a cidade interagiu com os performers, propondo intervenções sonoras, corporais, ocupando os espaços e se expressando em meio ao contexto criado.

Como propositora do projeto, não só no sentido de tê-lo concebido, mas também na forma de perceber o reflexo dos performers convidados em minha proposta inicial, me tornei mais uma vidraça - espelho da cidade - que mostra mais o que está fora do que deixa ver o que está dentro.

O Centro Cultural Nelson Bordello, parceiro do projeto, se fez visto e presente, antes mesmo de sua inauguração, criando relações com o espaço e seus habitantes. A comunidade local se sentindo aliada da cultura, sem ser marginalizada, sem significar ameaça.

Imagens: Bernardo Guimarães

pequenas biografias

2010-02-11T14:13:00.000-02:00

Saiba mais sobre os artistas envolvidos em PERFORMAFUNK!

Christina Fornaciari (concepção, performance) é doutoranda em Artes Cênicas pela UFBA, mestre em Performance pela Queen Mary University of London (Inglaterra, 2005) e pós-graduada em Gestão Cultural pelo Instituto Sturzzo (Itália, 2007). Possui formação em Direito (BH, 2000) e pelo Teatro Universitário da UFMG (BH, 1999). Realizou residência artística na exposição “Tropicália: A revolution in Brazilian Culture” no Barbican Arts Centre, em Londres (Inglaterra-2006) e no Bronx Museum, em Nova York (EUA-2007).

Gustavo Arantes Botelho (vídeo) é pós-graduado em Cinema pela PUC/MG e em Artes Visuais pelo SENAC/MG e possui formação em Cinema Digital e Edição de Vídeo pela New York Film Academy (EUA). Realizou roteiro, direção e montagem dos curtas-metragens “Last Night” (EUA-2004), “Espelhos” (BH-2005), “Miragem (BH-2005, incluído em 22 festivais e vencedor de 5 prêmios), “Testamento” (em finalização) e dos vídeos-dança “Mar de Agosto”(2006), “Par-k” (2009) e “De Cujus” (2010).

João Castilho (fotografia) é artista visual. Realizou diversas exposições individuais e coletivas no Brasil e no exterior. Recebeu os prêmios Conrado Wessel de Arte, Prêmio Porto Seguro de Fotografia, Bolsa Funarte de Estimulo a Criação Artística e a Bolsa Pampulha. Em 2008 publicou o livro Paisagem Submersa pela Cosac Naify. Tem obras no acervo do Museu da Pampulha, no MAM da Bahia, no MAM de São Paulo e na Coleção Pirelli-Masp de Fotografia. Atualmente é mestrando em Artes Visuais pela UFMG e bolsista da Fapemig.

Marcelle Louzada (performance) é performer, artista de dança. Graduada em Psicologia, mestranda em Artes Visuais pela UFMG, desenvolve pesquisa sobre as relações entre corpo e vida pública no que concerne a produção de subjetividade contemporânea, bem como a inserção da performance no contexto urbano. Trabalha com oficinas de dança contemporânea, contato-improvisação, performance e psicologia. Interessa-se pelas interfaces entre as linguagens artísticas.

Mendez (performance) vem de um background de arte urbana e há oito anos desenvolve a linguagem da intervenção performática na rua. Já participou de eventos como Virada Cultural SP, II Manifestação Internacional de Performance (“Caminhando com meus Vícios e Virtudes”), e Perpendicular:ações para apartamento (“Crisálidas”). É estudante de artes plásticas na UEMG, onde foi premiado com a performance “Pregação”, incluída na Mostra Guignard (BH, 2009).

Paloma Parentoni (corpo sonoro) é produtora cultural, pesquisadora de ritmos populares e DJ. Possui formação em Desenvolvimento Cultural pelo curso Pensar e Agir na Cultura, idealizado pelo Professor José Mário Barros (BH, 2009) e pelo FIJE – Fórum Internacional de Jovens Empreendedores (BH, 2009). Já colaborou com artistas como Grupo Xepa de Artes Plásticas, Tambolelê, e em projetos como o Fiat Mostra Brasil (BH, 2007) e Cinema Brasileño em Múrica (Espanha, 2007). * Paloma não está na foto acima...

Paula Nunes (performance) é formada pelo Teatro Universitário da UFMG (1999). Leciona teatro e cultura popular brasileira junto à Secretaria Adjunta de Assistência Social da Prefeitura de BH. É multiplicadora do Teatro do Oprimido, técnica que utilizou em montagens teatrais junto ao Senado Federal, em Brasília/DF. Dirigiu e adaptou "Cobra Norato”, espetáculo encenado por moradores de rua, que integrou a oitava edição do FIT/BH- Festival Internacional de Teatro Palco e Rua.

Imagem: João Castilho

Processo de Criação - PERFORMAFUNK!

2010-02-08T21:51:00.000-02:00

PERFORMAFUNK

Estamos a todo vapor na criação do PERFORMAFUNK, um projeto idealizado por mim e contemplado pelo Prêmio Funarte de Artes Cênicas na Rua - embora artes cênicas, performance, intervenção urbana... o nome não importe!

O trabalho está sendo criado coletivamente. Na performance estou eu e mais 3 convidados (Marcelle Louzada, Eduardo Mendez e Paula Nunes), no vídeo o Gustavo Arantes, a Paloma Parentoni no corpo sonoro e o João Castilho na fotografia.

O pontapé inicial surgiu da vontade de tratar de uma manifestação cultural popular, que fosse urbana e de massa, sem cair no erro de isolar essa manifestação do que há fora dela – como se lida geralmente com folclore e expressões artísticas mais regionais. O interessante para esse trabalho era trabalhar em cima dessa manifestação popular, para por meio dela abordar questões relevantes hoje no universo artístico contemporâneo. Dentro dessa linha, unir arte à cultura de entretenimento noturno podia ser interessante.

E o funk, com sua falta explícita de comportamento, acaba por atingir um tema recorrente para diversos artistas: a desconstrução da ordem vigente, a implementação de políticas enviesadas, a dissolução - ou exposição - dos agenciamentos maquínicos que perpassam a cidade. Para tudo isso, o funk serviria muito bem como ponto de partida.

Esse movimento tão criticado pela classe média espelha valores já enraizados na cidade, como a objetificação sexual, a fricção de gêneros, a segregação urbana, a violência... e os potencializa, os torna visíveis, destacados - talvez por isso mesmo o funk seja tão “duro de engolir”. Além disso, também tem a capacidade de se distanciar de alguns dos mecanismos de controle impostos pela classe dominante, já que cria formas não convencionais de consumo musical e cultural, bem como de sua distribuição, configurando uma economia própria. Em sua estrutura social (paralela e à margem), o funk resignifica vocábulos, redimensiona valores do núcleo familiar e aponta para uma nova política - do prazer e não da lei.

Uma leitura atenta de quem são os atores do movimento (gênero, etnia e afiliação de classe) e do que eles enfatizam através do discurso, do movimento e da materialidade sonora, pode revelar os aspectos potencialmente subversivos desse movimento. Ao criar instâncias vistas pela classe dominante como vergonha pública, esses atores configuram identidades e se organizam de forma a gerar intimidação.

Mesmo que sem se auto-proclamarem revolucionários da moral e da ética, os atos praticados em um baile funk são de tamanha liberdade e anormalidade – no sentido de ausência das normas tradicionalmente vigentes – que podem sim configurar-se como atos de resistência bio-sócio-política, de afirmação de uma identidade urbana periférica, de configuração de estratégias populares de sobrevivência, seja cultural, biofísica ou econômica.

Por isso tudo, desde que estudei o conceito de Corpo Sem órgãos, criado por Gilles Deleuze e Félix Guatari, tenho sido perseguida por uma incansável intuição de que o funk, caso conhecido pelo filósofo e pelo psicanalista mencionados, seria também citado como um outro mecanismo de (des)organizar e, assim, criar para si um corpo sem órgãos. Vejo que eles têm em comum um encontro com a natureza carnal, animalesca do humano, um lugar de risco, onde limites e referências são descartados em prol da experimentação. Lá, onde o corporal supera o racional.

“Consideremos os três grandes estratos relacionados a nós, quer dizer, aqueles que nos amarram mais diretamente: o organismo, a significância e a subjetivação. Você será organizado, será um organismo, articulará seu corpo – senão você será um depravado. Você será significante e significado, intérprete e interpretado – senão será desviante. Você será sujeito e, como tal, fixado, sujeito de enunciação rebatido sobre um sujeito enunciado – senão você será apenas um vagabundo. Ao conjunto de todos os estratos, o CsO opõe a desarticulação (ou as n articulações) como propriedade do plano de consistência, a experimentação como operação sobre este plano (nada de significante, não interprete nunca!), o nomadismo como movimento(...) O que quer dizer desarticular, parar de ser um organismo? Desfazer um organismo nunca foi matar-se, mas abrir o corpo a conexões” .

Em outras palavras, é como se o chakra básico (animal) fosse sendo (des)ativado em ambas as atividades, numa busca por derreter todo tipo de convenção, como na explosão “de uma libido encurralada pela moral cristã e pela ética esvaziada da família, uma entidade que mesmo fragmentada e fantasmagorizada, ainda faz frente ao niilismo e suas irradiações” . Para o antropólogo Hermano Viana, o funk teria essa potência, a que Deleuze e Guattari se referem, de desfazer estratos organizadores, sejam cristãos, morais, sociais ou econômicos.

Portanto, a escolha pelo funk no projeto não se deu por acaso, mas sim fundada nesses aspectos que, de certa forma, nos valem no intuito de revelar/reconfigurar agenciamentos. E a essa reconfiguração/revelação, nem o próprio funk escaparia dentro do projeto. A idéia é que ele seja um ponto de partida para explorações na cidade e de movimentos corporais. E, por acidente ou não, estereótipos do movimento serão dissolvidos, por exemplo, na escolha por trabalhar com 4 ou 5 performadores apenas, criando um evento discreto, que contraste com o caráter massivo dos bailes funk. Em suma, embora presente em toda a obra, já que as ações serão criadas a partir de vocábulos e gírias, costumes e imaginário retirados do mundo funk, o que busco no movimento é um impulso que proponha criação de arte contemporânea. Um encontro do fazer artístico pessoal de cada um dos integrantes com esse tema. O resultado pode ou não se assimilar ao que o originou, isso não é importante.

Sendo um movimento tipicamente urbano, “carioca da gema” (inclusive atualmente reconhecido como patrimônio cultural imaterial do Estado do Rio de Janeiro), o Funk só pode ser pensado na interseção de corpo, espaço público e linguagem. Portanto, é essencial a utilização da cidade na realização do projeto. Por isso optei por misturar o trabalho ao cotidiano da cidade mesmo, tornando-o mais um acontecimento urbano, gerado espontaneamente pelo acaso e pelo caos - característicos da urbe.

Assim, ao invés de espetacularizar o trabalho a ponto de tornar a rua um palco, o que se pretende é desfazer os limites entre cidade e arte, entre vida cotidiana e performance/teatro/intervenção – o nome não importa tanto aqui. Por isso a busca por estar perto do povo comum, que transita nas ruas, pontos de ônibus, estações de metrô, que ocupa butecos de esquina, templos religiosos, escolas e esquinas esfumaçadas... A intenção é surpreender esse povo em seus trajetos diários, mega-centros afora... E de certa forma atrair “os fazedores/consumidores” de arte contemporânea a invadir esse lugar que não lhes pertence.

Optamos por fazer uma divulgação diferenciada, não invasiva, que permita que o trabalho seja para muitos um quase-acidente. Também fugimos dos duos flyer+pôster, hora+local, por pensar que esse esquema contrarie conceitualmente a inversão da ordem sugerida pelo funk e pela própria performance/intervenção urbana. Ao concretizar a já tradicional estratégia de marketing, estaríamos entrando - e convidando a entrar - na ordem... e desejamos o oposto! Então, alinhando acesso e conceito, formatamos uma divulgação baseada em nossa própria exposição enquanto criadores, através de ações prévias, realizadas nos locais de apresentação.

Além disso, tais ações passaram a integrar o processo de criação. Essa cria-ação se deu a partir de estímulos retirados do universo funk, apropriados por cada artista. Partindo apenas desse contato, os performadores/criadores pensaram suas ações, repertórios sonoros e arsenal imagético. Portanto, a criação é somente incitada pela iconografia pesquisada, ficando a finalização e conceitualização livre, não mais se prendendo ao funk - ou a nenhuma estética específica. Por isso o projeto requer a criatividade e entrega dos envolvidos. Tudo está amarrado à abordagem pessoal de cada um aos estímulos iniciais.

A performance em si se desenvolve em uma dinâmica intensa, mesclando ao vivo os trabalhos gerados individualmente. O espaço público será permeado por esses símbolos: vídeos projetados nas paredes dos edifícios no entorno do local de realização, fotografias distribuídas aos transeuntes, e os performadores respondendo aos símbolos iconográficos, apropriando-os em suas ações.

O contato desses artistas entre si é mínimo, foram algumas visitas aos locais de apresentação, reuniões em conjunto, onde se discutiu alguns textos e a própria proposta do projeto.

As PERFORMAFUNKs ocorrem em Belo Horizonte e no interior de Minas. Cada uma terá duração de até 2h:00 (duas horas), e serão repetidas duas vezes em cada local, para tentar gerar maior possibilidade de troca com os transeuntes habituais.

Os objetivos do projeto podem ser definidos como re-significar o espaço público, inserindo nele performances cênicas, difundir e fomentar a linguagem da Performance em Belo Horizonte e no interior de Minas Gerais.

1 Gilles Deleuze e Félix Guattari em Mil Platôs, Capitalismo e Esquizofrenia, Vol. 3.

2 Hermano Viana, em artigo para a revista RAIZ número um, de Novembro de 2005.

Imagens: João Castilho

PERFORMAFUNK em 2010

2010-01-03T10:23:00.000-02:00

Imagem retirada da exposição "Totoma!" realizada após dez anos de pesquisa em bailes funk no Rio, pela fotógrafa Daniela Dacorso.

Foi aprovado no Edital FUNARTE de artes cênicas de rua o projeto PERFORMAFUNK, que une antropologia, ciência política, artes visuais e performance para questionar o movimento FUNK do Brasil.

O projeto me veio à mente a partir da inegável presença desse gênero musical no espaço musical e de comportamento brasileiro, que porém nos chega com o peso de preconceitos e desinformação. Busco perceber o movimento por outro ângulo que não o do estranhamento, me aproximando dele através da leitura de teses e dissertações sobre o tema, e da vivência de seu universo.

Após assistir o FUNK carioca ser tombado como patrimônio cutural imaterial, meu interesse pelo assunto aumentou: percebo um poder de resistência cultural e política importante acontecendo por trás das coreografias e frases "de segunda categoria" como costuma-se classificar o FUNK.

Esse tombamento legitima a abordagem proposta, urgente diante da valorização de uma manifestação cultural genuinamente brasileira, ainda que "antropofagizada" do ritmo estadunidense.

Na pesquisa, além do viés antropológico/político, também estou criando uma estreita - e bem interessante - relação entre o FUNK e o conceito de CORPO SEM ÓRGÃOS de Deleuze e Guatarri. As possibilidades se ampliam e se mostram inspiradoras!

Na segunda quinzena de janeiro começarão os processos criativos dos performers! Acompanhe nosso diário de criação aqui no blog!

Arte auto-biográfica na performance e vice-versa

2009-12-19T08:41:00.000-02:00

Muitos já abordaram a questão da autobiografia como ferramenta para o desenvolvimento da pesquisa em artes contemporâneas, apontando para a relevância na confrontação entre o entorno social do indivíduo produtor (artista) e sua vida pessoal, em busca de uma maior compreensão de sua produção artística. Entre eles, o pesquisador Fabio Gatti, afirma que toda obra somente pode ser estudada a partir da soma de dois fatores: o contexto social em que é produzida + a leitura da biografia do autor que a realizou.

Nesse debate, já que pretendemos abordar a questão da performance enquanto obra autobiográfica, também proponho a soma desses dois fatores, porém, em ordem trocada: parto da intimidade do autor, para então adicionar o contexto social em que tal biografia surge.

Creio que em artes, ao contrário de em matemática, a ordem dos fatores alterará o resultado obtido.

A meu ver, quando se parte de uma obra cuja intensidade é o auto-biográfico, a pesquisa somente poderá ser desenvolvida indo além dos elementos pessoais do autor e suplantando esses elementos aos parâmetros coletivos, revelando um sentido expandido da obra. Assim, a dinâmica presente nos trabalhos contemporâneos de tendência autobiográfica tem a capacidade de se tornar um dispositivo de construção da memória coletiva, sem, no entanto, anular a identidade do artista.

Explico-me: O neuro-scientista comportamental Antônio Damásio propõe, em seu livro O mistério da consciência, que memória autobiográfica funciona como um conjunto de memórias que descrevem a pessoa e sua identidade, desenvolvendo registros sobre quem temos sido fisicamente, e quem, em geral, temos sido na esfera comportamental.

Um dos pontos ressaltados por ele é a dimensão fundamental do olhar do outro na constituição memória auto-biográfica enquanto construção da subjetividade, da noção de self. Na ausência do olhar do outro, resta o vazio. A privação de todo olhar é mortal. Logo, o caráter produtivo, criativo e subjetivante do olhar do outro é, pois, essencial na formação da memória autobiográfica do artista.

Assim, a própria estratégia de aquisição da informação autobiográfica, dentro do processo criativo, já é diretamente amalgamada na relação entre pessoal e coletivo. Isso é uma possível garantia de que o produto estético resultante de processos confessionais não se configure exclusivamente pessoal e inacessível, mas em algo passível de gerar um afeto de identificação e, portanto, de fruição por parte do público.

Logo, as obras autobiográficas podem ser entendidas como formas alternativas de produção de contextos históricos, sendo um dos modos como criamos a nossa memória cultural coletiva.

Tomemos de exemplo o trabalho Cuide de Você da artista francesa Sophie Calle, de 55 anos, que ficou conhecida justamente por buscar inspiração em fatos particulares de sua vida. Nessa obra, realizada ao longo de dois anos e documentada em fotografias, vídeos e textos, mais de 100 mulheres foram convidadas por Sophie a interpretarem um e-mail recebido por ela, onde o seu então namorado dava-lhe um fora, despedindo-se com a frase-título da obra. Sua obra revela diversos pontos de vista de mulheres de sua época, em relação ao fato de que um homem que termina o relacionamento duradouro por e-mail – fato que em si também diz muito da época em que a artista vive. Sem jamais evocar palavras de ordem, como romantismo ou violência, sua obra questiona o lugar dos relacionamentos atuais, e contribui na formação de uma memória coletiva.

Além disso, questiona-se atualmente nas manifestações performativas que se centram no indivíduo, e não em categorias de representação sócio-cultural, o seu potencial de constituírem o formato privilegiado para uma linguagem transversal, independente, livre de alinhamento a grupos sectários, como religiões, nacionalidade, gêneros, raça, etc.

No passado, aspectos da vida pessoal já haviam sido explorados com intenções que extrapolam o individual. Como um ponto de conversão entre a dimensão da privacidade e o ato político, gostaria de partir do filme Milk, de Gus Van Sant, para abordar essa questão, já que o filme tem passagens onde essa junção é explícita. Ameaçados de demissão por serem gays, Milk e outros ativistas iniciam uma mobilização de todos os profissionais homossexuais a "saírem do armário", colocando exposta sua privacidade em função de uma busca por plenos direitos. Claro que a atitude proposta custou aos personagens bastante constrangimento e dor, já que os engajava em uma resistência política que evoca o ato tão íntimo de revelar a seus familiares, amigos, colegas e mesmo a seus filhos, a sua sexualidade até então considerada anormal. O filme nos dá o contorno desse lugar, onde o privado se torna coletivo, público.

Aliás, os anos 60 e 70 estão cheios de narrativas como essa, que marcaram a história das relações público-privado, em especial no que se refere a conquistas das ditas minorias. Contudo, é notório na contemporaneidade, como grande parte desse movimento do particular em direção ao compartilhado é feito como mero entretenimento, reforçando modelos de consumo e competitividade, a todo tempo explicitando a sujeição da privacidade a forças de controle e disciplina, através da proliferação das câmeras de circuito interno, por exemplo. Entretanto, para além dessa constatação, sabemos que não se esgota nesses modelos o potencial político das vidas individuais contemporâneas e as formas com que público e privado podem se interpelar.

Quando se trata de performance art, a utilização de dispositivos midiáticos de escrutínio e espetacularização da intimidade, são, em muitos casos, utilizados exatamente para questionar ou subverter esse modelo de sociedade, gerando trabalhos altamente confessionais e ao mesmo tempo, produzidos de forma pública e com significado político.

Como exemplo pode-se citar o trabalho “Fonce Alphonse”, em que o artista norte americano Jeff Guess ultrapassa propositalmente o limite de velocidade com o seu carro na França, no dia do seu casamento, para que o casal de noivos devidamente vestido para a "cerimônia" seja flagrado por uma câmera de controle do trânsito. Com esse dispositivo irônico, o artista se utiliza de um aparato público de controle para gerar o registro de uma performance de seu casamento, transformado em uma performance ultra autobiográfica. É como se essa ação invertesse a seta de poder, onde quem exerce o papel de vítima do mecanismo estatal de escrutínio é o observador, e não o observado.

Da mesma forma, o FILE Festival Internacional de Linguagem Eletrônica, em São Paulo, apresentou recentemente o trabalho "My Google Search History”, da francesa Albertine Meunier que consiste em uma obra composta de um conjunto de vídeos, sons e inventários de textos com todas as buscas feitas pela artista desde 2006 no site de pesquisa Google. As buscas mostram um auto-retrato completo, que permite que a artista revele em sua obra todas as pequenas coisas que esteve buscando em momentos específicos, dados capazes de revelar detalhes de seu cotidiano e personalidade. Sabemos que a empresa Google também detêm esses dados, que poderiam ser usados para promover um monitoramento dos seus usuários. No entanto, ao se apropriar da armadilha, a artista transforma a situação de invasão de privacidade num sistema oposto, de retomada e acesso à sua própria privacidade, materializando sua intimidade e assim, tornando-a objetivamente acessível pelo público.

Estudos e pesquisas sobre as práticas de exposição da intimidade nas novas mídias são desenvolvidos por inúmeros artistas e teóricos, como Paula Sibilia, que lançou recentemente o livro O show do eu: a intimidade como espetáculo, que trata das narrativas do eu nos ambientes midiáticos atuais, das novas formas de autoria, da espetacularização da intimidade e do isolamento do indivíduo contemporâneo.

Tudo isso revela como a arte contemporânea tem um crescente interesse pelos pequenos dramas, rituais do cotidiano, desabafos autobiográficos, confissões e todo tipo de pequenez característica do que é íntimo. Talvez um reflexo da falta de senso de comunidade e fraternidade que nossa época experimenta. Talvez resposta ao curto tempo de vida de nossas relações, criadas e desfeitas instantaneamente. Talvez tentativa de encontrar consolo para a própria solidão na solidão do outro. Seja por que razão for, a potente presença da obra autobiográfica na cena artística contemporânea é inegável, e para encontrá-la, basta um relance pela janela do vizinho, do seu carro, do seu PC.

Palestra: a performance no trabalho autobiográfico

2009-12-07T07:40:00.000-02:00

O Grupo ID.: realiza de 07 a 09 de dezembro de 2009 a estréia do Espetáculo: ID.: Por favor se identifique, na cidade de Ouro Preto-MG.

O espetáculo aborda o trabalho auto biográfico em estrutura performática, partindo do processo de experimentação e criação desde março deste ano. Partindo de nossa experimentação propomos a mesa de discussão: A Performance no Trabalho Autobiográfico, com a presença de professores, pesquisadores e artistas.

Pensando nestes aspectos entre os pontos de diálogo/provocação da performance, nos questionamos:

Como se dá o envolvimento e identificação do público dentro do conceito pós-dramático?

Para o performer, é possível chegar ao esgotamento recorrerendo sempre aos universos íntimos?

Partindo desses questionamentos propomos a discussão sobre o contexto atual de Performance, considerando profissionais cujas práticas e pesquisas no campo da performance são relevantes.

O Grupo ID.: se sente honrado em receber

Bia Medeiros,
Dudude Herrmann,
Christina Fornaciari.

como palestrantes da mesa de discussão conforme especificado abaixo:

Data: 07 de dezembro
Horário: 21 horas (após o espetáculo, que começa às 19 horas)
Local: Teatro Municipal Casa da Ópera - Ouro Preto/MG

O espetáculo ID.: Por favor se identifique, é o Trabalho de Conclusão de Curso de Carlos Alberto Ferreira - formando em Direção Teatral pela Universidade Federal de Ouro Preto.

Agurás no Apareça

2009-12-07T07:34:00.000-02:00

África revisita Brasil em Agurás

Escravos africanos re-colonizam o território brasileiro; bandeiras de suas nações de origem são encrustadas na pele da performer. Um ato que homenageia as ricas heranças culturais deixadas pelos negros em nosso país, traz para o corpo a dor que marcou esse processo, torna presente na cidade de Ouro Preto a memória da colônia por um ponto de vista diferente, não europeu.

Criação e atuação: Christina Fornaciari
Colaboração e registro em vídeo: Grupo Resid(ê)ncia
Design gráfico: Letícia Guimarães
Participação de Sebastian Caetano

Algumas imagens de Agurás, por Henrique Manara:

Algumas imagens das bandeiras:

Palestra "A performance e a obra autobiográfica"

2009-12-07T07:28:00.001-02:00

O Grupo ID.: realiza de 07 a 09 de dezembro de 2009 a estreia do Espetáculo: ID.: Por favor se identifique, na cidade de Ouro Preto-MG.

O espetáculo aborda o trabalho auto biográfico em estrutura performática, partindo do processo de experimentação e criação dede março deste ano. Partindo de nossa experimentação propomos a mesa de discussão: A Performance no Trabalho Autobiográfico, com a presença de professores, pesquisadores e artistas.

Pensando nestes aspectos entre os pontos de diálogo/provocação da performance, nos questionamos:
Como se dá o envolvimento e identificação do público dentro do conceito pós-dramático?
Para o performer, é possível chegar ao esgotamento recorrerendo sempre aos universos íntimos?
Partindo desses questionamentos propomos a discussão sobre o contexto atual de Performance.

Considerando sua prática e pesquisa no campo da performance, o Grupo ID.: se sentirá honrado em recebê-la como uma das palestrantes que irá compor a mesa de discussão conforme especificado abaixo:

Data: 07 de dezembro
Horário: 21 horas
Local: Teatro Municipal Casa da Ópera - Ouro Preto/MG

A mesa ocorrerá após a estreia do espetáculo ID.: Por favro se identifique, que será as 19 horas.

Participação de: Bia Medeiros, Dudude Ferrmann, Christina Fornaciari.

O espetáculo ID.: Por favor se identifique, é o Trabalho de Conclusão de Curso de Carlos Alberto Ferreira - formando em Direção Teatral pela Universidade Federal de Ouro Preto.

Mostra de Obras Híbridas [No-Do] Espaço Cênico

2009-11-17T10:30:00.000-02:00

A Mostra de Obras Híbridas [No-Do] Espaço Cênico apresenta os trabalhos desenvolvidos ao longo do semestre, pelos alunos da disciplina "Performance / Instalação", ministrada pela Prof. Christina Fornaciari no curso de Artes Cênicas da UFOP (Universidade Federal de Ouro Preto).

As obras estão espalhadas pelos corredores e pátios da Escola de Minas, na Praça Tiradentes em Ouro Preto. Criadores exploram a condição do viver contemporâneo, multiplicando as formas de expressão artística, gerando trabalhos que transpõem barreiras de classificação, dialogando num terreno sem fronteiras.

Performance, instalação, vídeo, artes plásticas, literatura e moda tornam-se material para um amalgamado de processos criativos... "Linguagens movediças, inacabadas, misturadas no espaço cênico e dele extraídas".

O evento acontece no dia 20 de novembro, sexta-feira, de 10 ao meio dia no DEART - campus UFOP - e no sábado, dia 21 de novembro, a partir das 20 horas, na Escola de Minas - Praça Tiradentes.

Apareçam!

Abraços,
Christina Fornaciari

SOBRE :: suor mestiço

2009-11-10T11:49:00.000-02:00

CONCEITO

A ação, proposta dentro do projeto Perpendicular :: ações para museu, questiona o traço curatorial das instituições de arte que, em geral, privilegiam a entrada da arte branca, masculina, em detrimento de uma arte mais descompromissada, feminina, multi-étnica.

Envolve coletar suor dos passantes em absorventes íntimos e rotulá-los com a raça e o gênero ao qual indicarem pertencer, para então exibir esses dispositivos "do lado de fora" da instituição de arte (no caso, o Museu Inimá de Paula) como uma obra coletiva, pluri-racial e multi-genérica.

A idéia de envolver o poste de luz com os absorventes busca materializar uma imagem que seja ao mesmo tempo fálica e feminina.

A crítica por trás da obra passa por uma geografia política, que dá preferência a artistas homens e brancos (diga-se, europeus ou norte-americanos). O recorte é direcionado especificamente para as instituições de arte, onde essa prática se torna visível e violenta para mim, enquanto artista (mulher, latino-americana, mestiça).

RESULTADO
"Suor Mestiço" mobilizou as pessoas no entorno do museu de uma maneira íntima e ao mesmo tempo divertida. Os passantes riam ao receber as instruções de coletarem seu suor com o absorvente.

Ao escrever como se identificam em relação ao seu gênero e etnia, as respostas foram únicas, correspondendo à criatividade e liberdade com que a proposta foi abraçada: "mãe", "em desuso", "sex machine" foram algumas das palavras com as quais os participantes se remetiam ao seu sexo, e "vira-lata" e "felina" foram usados como etnias. Teve até quem aproveitasse o espaço para deixar sua mensagem sobre a proposta em si...

Resumiria dizendo que foi uma ação onde a participação do público, e não a figura do artista/propositor, ocupou o centro das atenções.

Mais info: http://perpendicularmuseu.blogspot.com/

perpendicular :: ações para museu

2009-11-04T10:23:00.000-02:00

imagens da performance "suor mestiço", por João Castilho

perpendicular - ações para museu

2009-10-24T09:42:00.000-02:00

tez

2009-09-25T10:54:00.001-03:00

Performance realizada em 2008 durante - mas não dentro da programação do FIT-BH, em apartamento do Edifício JK.

A performance lida com o limite entre o espaço público e o privado, gerando imagens privadas (de dentro de uma tenda) que são projetadas de modo que possam ser vistas também por pessoas nos outros prédios.

Simultameamente, no banheiro do apartamento,foi deixada uma câmera digital para que as pessoas se fotografassem em sua privacidade, deflagrando o privado em público.

TEZ
Concepção e performance: Christina Fornaciari
Sound Art: Lucas Miranda
Apoio em tecnologia: Johannes Birringer(UK)
Fotos (exceto as do banheiro): João Castilho

Algumas imagens geradas no banheiro:

)

Performing Human Rights

2009-09-23T14:23:00.000-03:00

Minha dissertação de Mestrado pode ser lida nesse site:
http://www.slideshare.net/christinafornaciari/documents
Título: Performing Human Rights
Idioma: Inglês
Palavras-chave: Performance, Direitos Humanos, Sistema Prisional, Inglaterra, Brasil.

Costuras, retalhos, memórias...

2009-09-22T08:13:00.000-03:00

Acontece nos dias 5, 6 e 7 de outubro da FAFICH - UFMG
o VIII Encontro Regional Sudeste de História Oral.

Participo com apresentação de trabalho que trata do uso da história oral em processos de criação cênica, tomando por base minha experiência com idosos em Londres.

O tema central ─ Centros de Pesquisa em História Oral: trajetória, abordagens e avaliações ─ está aberto à participação de historiadores, sociólogos, cientistas políticos, antropólogos, psicólogos, especialistas das artes cênicas e audiovisuais e de outros segmentos da comunidade científica brasileira.

O GT em Artes Cênicas conta ainda com a participação de Ricardo Carvalho e Ângela Leite, e está sendo coordenado pelo Prof. Arnaldo Alvarenga.

A programação completa do evento pode ser acessada no site:

http://www.fafich.ufmg.br/viiihistoriaoral/

Diálogos de mil vozes - I Festival de Performance de BH

2009-09-22T08:09:00.000-03:00

O encerramento do I Festival de Performance de Belo Horizonte se deu de maneira relevante e comprometida, abrindo um espaço de discussão franca, onde os interessados pudessem comentar sobre o que ocorreu durante o evento, além de levantar questões acerca da performance hoje.

Figuravam como convidados Otávio Donasci, Ione de Medeiros, Lucca Forcucci e Ricky Seabra, na companhia dos organizadores do festival (Denise Pedron, Ricardo Garcia e Rubens Rangel) e de figuras carimbadas e ativas na cena da arte mineira, como Eliza Belém, Carlos Garrocho, Ana Luiza Santos, Inês Link e eu, Christina Fornaciari - incluo-me nessa lista relutantemente satisfeita: aqui posso pertencer.

A conversa passou por pontos essenciais da performance, como necessidade ou ausência de presença corporal, a ética no uso da tecnologia, a mercantilização dessa arte que se fundou na contramão da produção econômica e de capital, entre outros. Foi renovante estar numa mesa que dialogasse sem papas na língua: lá era possível acreditar que ao ter uma visão diferente da do outro, ou ao ouvir uma voz dissidente da minha, eu estava contribuindo para o amadurecimento dessa arte.

Hélio Oiticica escreveu em um dos penetráveis de "Tropicália", obra que deu nome ao movimento: a pureza é um mito. Em performance, essa máxima vale mais que qualquer outra. O trânsito de linguagens dentro da linguagem da performance é livre, constante e diversificado. E é bom que seja assim.

Subvertendo toda forma de apresentação artística tradicional, que presume um modo de percepção original, a performance gera processos de construção que se dão mediante relações sensoriais e sinestésicas entre espaço, performer e observador. Nesse sntido, a performance é a tangente mais próxima da "fenomenologia da percepção" de Maurice Merleau-Ponty.

E foi exatamente isso o que me chamou atenção na atividade de encerramento: a mesa dialógia refletiu o que a performance faz tão naturalmente: reunir interesses difusos, mesclar sem fronteiras os que andam em sentidos opostos, ser porto para gente que vem de todo lugar. Nessa arte, que valoriza a capacidade de cada observador em desenvolver seus próprios processos de percepção, não cabe um discurso uníssono. Suspeitaríamos se na mesa dialógica preponderasse uma só voz.

Feita com o observador e não para o observador, ao ser consumida a performance requer um exercício de percepção: ela consome o observador. Estando além dos moldes convencionais de consumo onde há somente uma seta indicando a direção do que engole e do que é engolido, a performance fundamenta-se no desenvolvimento de trocas, através da experiência perceptiva. Por isso propõe dissonâncias e gera repercussões mestiças, cheias de livre-associações... eternos diálogos de mil vozes.

Balada do Corpo Classificado: Arquivos

2009-09-14T09:48:00.000-03:00

Fotos: João Castilho

Origem::

2009-09-14T09:04:00.000-03:00

"Balada do Corpo Classificado:arquivos" foi apresentado pela primeira vez em 2008 no Teatro Marília, dentro do projeto Improvisões, o qual venho pesquisando desde então, tendo o apresentado novamente no I Festival de Performance de BH, em agosto de 2009.

Lidando ainda com a questão do tempo (vide Veia do Tempo, alguns posts abaixo), dessa vez sob a lente do caráter perecível do corpo humano, a performance se desenrola tendo por mote instigador um arquivo médico contendo mais de 2 mil relatórios de atendimento clínico em uma cidade do interior de Minas Gerais.

Os relatórios retratam a tentativa de suspender o tempo ou de ao menos anular seus efeitos sobre o corpo, através dos diversos procedimentos médicos indicados aos sintomas. Sempre frustrada, uma vez que a morte inevitavelmente chega, essas tentativas retratam, assim como em Veia do Tempo, a impossibilidade de se retornar a estados originais, de se paralisar ou isolar os efeitos do passado sobre o presente, sendo então, ambos os trabalhos um desdobramento do mesmo tema.

Os relatórios clínicos evocam sintomas e prescrições, que são transferidos para o corpo da performer, abrindo o espectador para as possibiliades às quais nos sujeitamos todos, humanos, a partir do momento em que passamos a existir.

A impossibilidade de se testemunhar a própria morte (para se testemunhar, é preciso estar vivo: se morremos, não testemunhamos; se testemunhamos, ainda não morremos) é desmascarada e ao mesmo tempo reafirmada.

A performance leva o público a um lugar presente, na vida e no cotidiano, embora desconhecido: o lugar da morte. Para isso, o espaço onde ela ocorre também busca espelhar esse paradoxo, sendo ao mesmo tempo conhecida e misteriosa.

A primeira apresentação, no projeto Improvisões, se deu nos subsolos do Teatro Marília, onde se localizamos camarins e equipamentos técnicos do teatro. Ao invadir o corpo do teatro em busca de seu íntimo, de suas vísceras, traz-se à tona o que é só imaginado, desconhecido em seu detalhamento.

Já a segunda apresentação, dentro do I Festival de Performance de BH, se dá em um banheiro: lugar mais privado dentro da esfera pública, onde a intensidade de encontro consigo mesmo, seja emocional ou fisiológica, é potencializada.

Nesse contexto intimista, a performance acontece um-a-um, a cada espectador é permitida uma permanência no cubículo de, no máximo, 10 minutos. Há um porteiro, que controla entrada e saída, e que mais uma vez, reaviva a presença do tempo, tornando visíveis as linhas de força que atuam sobre os corpos naquele contexto.

Material utilizado:
agulhas de Acunpuntura
cinta pós acidentes paraplégicos
medicamentos diversos
cintos
elásticos de borracha
faixas
seringas
inalador de vapor

Fotos: João Castilho

Joseph Beuys: Criar é se Criar

2009-09-01T11:29:00.000-03:00

por Christina Fornaciari

Numerosos são os historiadores e críticos de arte que estabelecem um marco histórico em torno do qual desenvolvem seu pensamento. Ao tentar compreender o surgimento da arte moderna, Nicolas Bourriaud, em “Formes de vie”, define como divisor de águas a racionalização do trabalho, ainda no Século XIX. Para Bourriaud, a modernidade artística surge ao mesmo tempo em que se instauram as práticas de divisão do trabalho, quando a produção industrial passa a reduzir o esforço humano a uma repetição de gestos imutáveis e cronometrados, condicionando o comportamento do homem . Em sua relação com o tempo e com o espaço, o homem se repete – levanta-se todos os dias no mesmo horário, para percorrer o mesmo trajeto em direção ao local de trabalho, onde exercerá os mesmos gestos repetidos em um ritmo pré-determinado, só então reencontrado um pequeno tempo/espaço não normatizado, onde possa simplesmente existir. Dessa forma, o que o fordismo e o taylorismo impõem, em última instância, é a separação entre a produção de bens materiais e a produção de si. Não há, nessa economia da produção industrial, espaço ou tempo para gestos que não contenham em si um fator remuneratório, gestos de individuação. Nesse contexto, a modernidade inaugura uma prática artística que contraria a produção industrial, ao propor a não separação entre os gestos de produção e os gestos de individuação, ao unir trabalho - a obra de arte - à vida do indivíduo - o artista/autor. Então, tanto quanto um quadro ou uma escultura, a modernidade artística valoriza também certos gestos de existência, certos modos de viver, valendo o imperativo principal que poderia se formular assim: faça de sua vida uma obra de arte.

É a partir dessa noção de arte que pretendo abordar alguns aspectos da obra do artista alemão Joseph Beuys. Apesar de sua vasta produção em escultura, aquarela, pintura e desenho, é a produção imaterial beuysiana – ações performáticas, suas aulas e sua biografia - que chama atenção diante do que Bourriaud denominou existência unificada.

Em 1964, no dia da comemoração aos 20 anos do fracasso do golpe de Stauffenberg contra Hitler, Beuys expôs sua autobiografia fictícia. Explicou, entre outras coisas, que a presença de gordura e feltro em quase todos os seus trabalhos, originou-se em seu encontro com uma população tribal da União Soviética, a qual teria salvado sua vida ao enrolá-lo nesses materiais após a queda de seu avião, metralhado durante a Segunda Guerra Mundial. Com este ato Beuys integra seu próprio personagem à sua problemática artística, recriando sua própria existência. Sua biografia, que remonta à cultura européia dos santos, onde esculturas invisíveis são erigidas , não importa ser tida como verdadeira e nem como falsa, mas como uma lenda, no sentido da palavra em latim – aquilo que deve ser lido e dito, aquilo que é narrado. Recorrente e difusa, variável e não verificável, a lenda tem o status de verdade, ou assume seu lugar. No entanto, a lenda de Joseph Beuys deve ser tomada não como constituinte de uma verdade, mas pelo efeito de verdade que esta agrega a toda a análise de sua obra artística. É imprescindível à compreensão da produção beusyana que se recorra à lenda, da mesma forma como a lenda é constantemente alimentada e reafirmada pela obra.

O próprio Beuys, ao refletir sobre sua produção, afirma que “na verdade, esse choque ao final da guerra é minha primeira experiência, a experiência fundamental, a qual, de fato, foi o que me levou a começar a produzir arte, ou seja, a me orientar em direção a um começo radicalmente novo ”. Beuys está constantemente a alimentar sua obra com a lenda, retornando incessantemente ao início do ciclo que o criou como mito. Desta forma, Beuys se re-insere na própria obra, ao contrário do artista que se retira quando o trabalho está pronto. Ao aparecer em público sempre vestido em seu colete de aviador e chapéu de feltro, atributos simbólicos que o relacionam a sua biografia conturbada, Beuys, assim como um xamã, identifica sua existência a uma qualidade mítica que deve ser louvada - não por ser verdadeira, mas porque a própria sociedade admitiu sua proclamação, sem questionar se o que ele descreve foi realmente vivenciado.

Ao esculpir sua própria identidade, Beuys nos apresenta a máxima da arte moderna e seu conceito alargado de arte, onde a fala é pintura, e o pensamento, ação. Ao apresentar-se contra “o silêncio de Marcel Duchamp” , Beuys utiliza-se do princípio que ele mesmo denominou de “conferência permanente”, no qual afirma o espaço ilimitado de seu campo de ação que pressupõe a presença do artista e seu poder de enunciação de si e de sua arte. Cada declaração sua, cada frase explicativa de sua obra é necessariamente parte da obra. Portanto, ele é responsável por sua fala, assim como um pintor é responsável por sua pintura. Por exemplo, a escultura para Beuys está intrinsecamente ligada à voz do artista, à sua presença, à sua lenda, à sua vida. Sua arte opõe-se a tudo o que é imutável, à medida em que constrói um espaço em constante transformação e perecimento. A sua escolha por trabalhar com materiais como gordura, animais mortos, mel, sangue, feltro, caracteriza essa necessidade de se situar em um processo de transformação. Longe de apresentar esses materiais em si mesmos, como obras de arte acabadas, Beuys utiliza-os como um ponto de partida, um lugar de onde reflexões possam aflorar.

Beuys utilizou a gordura pela primeira vez em uma performance realizada no “Festival of New Art”, na Universidade de Aachen, na Alemanha, quando foi diretamente atacado por estudantes de direita. Enquanto ele derretia duas barras de gordura em pratos quentes, ouvia-se como trilha sonora o infame discurso do político alemão Joseph Goebbles, que veementemente convocava toda a população para entrar em estado de “guerra total”. O confronto direto causado por essa experiência nos dá um quadro do que a obra de Beuys representa para ele mesmo: um desejo de “provocar as energias das pessoas e conduzi-las a uma discussão geral sobre os problemas presentes” . Beuys foi agredido fisicamente, tendo o rosto atingido e ensangüentado, segurando um crucifixo contra os agressores, novamente retornando a um conceito alargado de arte, que envolve sua atuação cotidiana perante a sociedade, num contínuo processo de criação de si e de sua arte.

Xamanismo, presença física, construção de uma lenda, construção de si: a dimensão da obra de Beuys vai além da materialidade de sua produção, vai além de sua escultura social, sendo a própria vida do artista um dispositivo crucial, insubstituível. Na concepção beusyana, assim como na modernidade artística apontada por Bourriaud, a arte não está separada da vida, mas essa alarga sua prerrogativa natural, sendo o artista em si um material no qual esculpir, capaz de transformar estados mentais como nenhum outro pode fazer.

Christina Fornaciari é mestra em Performance
pela Queen Mary’s University of London.

Veia do Tempo

2009-08-31T18:12:00.000-03:00

Performance apresentada na MIP2, dentro da finalização das oficinas de Nezaket Eikici. O trabalho traz à tona questões relacionadas ao tempo e à memória, à presença do passado no hoje e à impossibilidade de retorno a estados originais, objetivada pela constante transformação do espaço e do material utilizados na performance.

Realizada no Espaço 104, antigo 104 Tecidos (fábrica e loja têxtil), a performance Veia do Tempo desenha o retorno dos tecidos a esse espaço onde já habitaram. Pretende-se interferir no espaço temporal, trazendo elementos do passado para o tempo atual, constrastando com as modificações inevitáveis e constantes na memória das coisas.

Concepção e performance: Christina Fornaciari
Apoio: Equipe da MIP2, em especial Chei e Bruno
Contribuição conceitual de Nezaket Eikici
Fotos: João Castilho